.artist talk

“You don’t choose to be an artist… and I don’t think you learn to be an artist, either”.

Those are the words of Robert Rauschenberg, my hero.

I was born an artist. I knew I was an artist at the age of eleven… I didn’t understand what it meant, fully… but the identification was set at that time… I graduated in Fine Arts at Concordia University, in Montréal in the mid-70’s. I became a successful graphic designer and somehow along the way lost my sense of myself as an artist. After a life crisis several years ago, I came back to my roots… I needed to define myself as an artist. I began to paint again and I reentered a world of art and artists. I began to connect again to that part of me after decades of work and life and house and kids and business and dogs.

It was like I was coming back to myself… so, that’s a little bit about my history.

What is art for me?

Art is reflective, dynamic, and moving. As artists we must share our vision of the world with others. I love the idea of incorporating our environment into the work. There is beauty in everything and I put it together so that the viewer can see it. I think that’s what makes art compelling. It’s about showing something that is very human and vulnerable in all of us, and not having too much fear about exposing it.

It’s the ability to create while in the zone, and then after some time, being able to read your own work and write about it in order to understand yourself and your personal process better. That is awareness on a higher level. Art is a vehicle to bring you there. It is for me.

My Creative Process

I work intuitively. I start to work without any preconceptions about what will happen. I work quickly. I am not consciously aware of what is going on. In fact, I leave my mind (the critic) outside the door. I do not judge myself or question what’s going on.

It’s almost like being in a trance. I’m in the zone, that’s our connection to our true nature. And it’s the core of the creative spirit. That’s where I work from. I am consumed by the creative process, I work feverishly to express in my art that which I cannot express in my life. Here I have "carte blanche" to be just Me. I see from the inside out, bringing with me the hidden parts of myself, the unexpressed.

I usually work in series, so at any given session I will work on several pieces in sequence, until I am spent. Why? Because I believe that the energy of the moment is pure. I cannot come back and work over the same piece(s) at another time because I feel that I am a different person with different concerns and so to work again on a piece would be like diluting (or confusing) the purity of the creation. I capture the energy of the moment… that’s where the power lies.

I don’t work everyday. I cannot. Sometimes, it’s weeks or months. I need to live my life and change as a person and move through things, then come back to the art and something new always comes up. And for me that’s a good thing! It’s always fresh, and there’s always an excitement when I work. It’s an adventure. And I feel no fear.

I am a gleaner, I collect and pick up garbage on the streets and in abandoned places. I am always on the lookout for a great find, my eyes on the ground and I can pick up something quite unexpected anytime, and I think it precious. My father used to do that. He would find screws and nails and put them in his pocket and take them home. It’s the same for me. I treasure these “found” objects and use them in my work… I feel as if I am rescuing them. I bring together different textures, feelings, colors, into one complex world containing and holding the different parts. They come together in my work and create one vision. Each work of art is unique and multi-layered. Just like ME. These “found” objects resonate with abandoned human histories and live again because they have given me their inspiration. Their energy. They feed me.

I like to work with my hands, and often don’t use any tools, but just my hands… I like to feel the paper or piece of wood or metal… it resonates for me and I use its energy as a guide for what to do next. It’s the materials that are speaking, and the different combinations make new meaning and that’s the exciting part for me. It’s the memory that the objects hold that fascinate me. And that’s what I work with.

I work in many different mediums. After I have been painting for a while, I like to go to assemblage, because I like the change and the challenge. Or, I will go to digital art and to works on paper or photography or video. I find that it keeps the excitement alive. I try not to ever get too comfortable with a medium, and the mix is very intuitive. I just follow my gut feelings about what to do next, and never question it, but totally believe in the process, in my process.

Meaning-making

I read my work after it’s done. After finishing a creative session, whether it be painting, assemblage or digital art, I walk away from it and don’t think about it again. Only sometime later I will return, and it can be a few days or months later, and I will sit down with the pieces and “read” them. The distance in time is important because I need to detach myself from the work. It’s as if they don’t belong to me anymore. And that’s a very powerful experience, because I know in my mind that they are me.

Self-discovery. It’s at this point in my creative process that I discover what’s going on in the work and inside of me. And often times it’s surprising, as in the series Madonna & Child, where, for example, I worked on each piece one after the other, using double page spreads torn out from a old book (about masters’ paintings which I had found at Strand Bookstore in NYC), only realizing later that they were all Madonna & Child. Interestingly enough, it was my husband who, when I showed him this series, asked me which one I was: madonna or child. I realized at that moment that I had identified with the child… this kind of startled me, because it was just too strange. And so began my journey of self-discovery on this issue. I spent a great deal of time after that, just thinking about it and realized it had to do with my own process of re-parenting my inner child… I had been reading in the last few years, many books about self-healing, especially, Shakti Gawain… and began to see that there was a strong connection. This drove me to realize that my works were self-portraits or mini stories about me. And that the creative process was pushing out things inside of me that had to be released and healed…

Writing about my work is the way I have found to understand my work. It’s about trying to find the essence of the work. I look for universal symbols, that speak to me about what’s going on inside of me. It’s my way of looking at my art and myself… in an insightful way.

My work deals with the collective unconscious. I do it to try to understand myself better and to understand the human condition… I feel we are all connected. The work is about tapping into the collective unconscious: "a reservoir of the experiences of our species." Even though my art is very personal to me, I know it is about the human experience… I talk about the humanness of all of us... These concepts that I find in my works are a part of our human experience. The physical objects and materials I use are elements that I have consciously chosen in the process of creating the art, realizing afterwards that there are sometimes very subconscious meanings.

My art is multilayered. My work has many layers and dimensions, taking me and other viewers onto contemplative voyages. It is not for the quick first impression – the layering of symbols and meanings is dense and rich, and appreciating that requires time. It’s like I’m creating my own personal mosaic of life… I am an observer, translating a personal code for all to read.

And it doesn’t end here because I am in a continual dialog with my audience, and the creative process continues.

My need to communicate

Sharing my inner vision. I strongly believe that it is my responsibility as an artist to express my voice and to share my vision with an audience. Being an artist is a gift and sharing that gift is a way of connecting with others. There are many ways to share the work, for example, by being part of an artistic community, or exhibiting your work, or even by having a presence on the internet.

I think we as artists have become citizens of the world, through our communion with other artists and the possibilities of showing our work online sometimes almost immediately after it has been completed, through such online communities as flickr and youtube. There is something extremely exciting and inviting to an artist to share of oneself to a very large audience, an audience who is interested in commenting and being part of each other’s processes… it is truly a collaborative effort… a way of opening yourself up, fearlessly to yourself as well as to others, from around the world…

The online viewer may only get a 2D picture of my work, they do get to have a real dialog with me as an artist and read about what the work is about for me… and so, there’s an added dimension.

Conclusion. The zone, is the best place to create from… and it’s important to reflect on one’s own work and the growth that results… and then, to see an observer make a connection using your work as another guide, while they’re on their own journey. This brings the viewer in and they become a participant in the creative process. That is the gift.

Allocution de l’artiste

« Vous ne choisissez pas d’être artiste… et je ne crois pas que l’on apprenne à devenir artiste. »

Voici les mots de mon héros, Robert Rauschenberg.

Je suis née artiste, mais n’ai commencé à m’identifier ainsi qu’autour de 11 ans, alors que je ne savais pas encore ce que cela signifiait pleinement. J’ai gradué en beaux-arts à l’Université Concordia de Montréal, en 1976. Je suis devenue une designer graphique accumulant les succès et je me suis rendu compte en cours de route que je perdais l’artiste véritable en moi. Après une longue période de réflexion existentielle il y a quelques années de cela, je suis revenue à mes racines. J’avais besoin de me définir en tant qu’artiste. J’ai donc recommencé à peindre et ai réintégré ma place dans l’univers de l’Art et des artistes. J’ai retrouvé mes premières amours, après des années consacrées au travail et à la vie de famille.

Je redevenais moi-même. Voilà un petit bout de mon histoire.

Qu’est l’Art pour moi?

L’Art est réfléchi, dynamique et émouvant. En tant qu’artistes, nous devons partager notre vision du monde avec ceux qui nous entourent. J’aime l’idée d’incorporer l’environnement dans le travail. La beauté est partout et dans tout. Je l’intègre à mes œuvres afin de conscientiser, fasciner, convaincre mon public. Je veux démontrer ce qui est humain et vulnérable en nous tous, sans craindre d’exposer ma vision du monde.

L’habileté à s’immerger dans une zone créative, réaliser, et après quelque temps, être capable de s’observer et de comprendre son processus personnel un peu mieux permet d’atteindre une conscientisation d’un niveau supérieur. L’Art est le véhicule qui nous transporte à ce niveau. Il l’est pour moi.

Mon processus créatif

Je travaille de façon intuitive. Je commence à exécuter sans paradigmes concernant ce que je m’apprête à produire. Je travaille rapidement, sans réellement savoir ce que mon esprit commande à mon corps de créer. Je ne me permets aucun commentaire critique, aucun jugement personnel.

Je compare mon état de création à une transe. J’entre dans ma zone, ma connexion avec ma vraie nature. Là est le noyau de mon esprit créatif, ma muse. Je me transporte, me donne, me consume par mon processus créatif. Je travaille fébrilement à exprimer l’art que je ne peux communiquer dans la vie courante. J’ai carte blanche pour m’explorer, me découvrir, m’exposer, m’exprimer, être MOI.

Je travaille habituellement par séries, sur plusieurs œuvres à la fois, jusqu’à l’épuisement. Pourquoi? Parce que je crois à l’énergie pure du moment. Je ne peux modifier une œuvre après coup, car je ne suis plus la même personne, je n’ai plus les mêmes intérêts et préoccupations. J’entraverais la pureté de ma création. Je capture la vitalité de l’instant, où se trouve toute la puissance.

Je ne peux pas travailler tous les jours. Parfois je laisse des semaines, des mois passer entre chacun de mes moments créatifs. J’ai besoin de vivre ma vie, de constater que j’évolue, puis revenir

à mon art et sentir que j’ai de nouvelles idées, ce qui est une excellente chose pour moi! Mes idées sont toujours fraîches, conséquemment, mon travail demeure excitant. Je vis d’aventures, sans peur.

Je suis une « glaneuse ». Je trouve mes trésors dans la rue et dans certains endroits abandonnés. Je suis constamment à l’affût des trouvailles que je peux faire. Les yeux rivés au sol, je ramasse parfois des objets inusités que je considère précieux. Mon père faisait ainsi; il cachait des visses et des clous dans ses poches pour les rapporter à la maison. Comme lui, je chéris mes découvertes, que j’utilise dans mon travail. Comme si je les sauvais, leur donnais une deuxième chance. Je combine textures, couleurs et émotions en un monde complexe qui intègre tous les éléments pour en faire une seule vision. Chaque pièce créée est constituée de plusieurs couches et est unique, à mon image. Tous ces objets résonnent d’histoires humaines qui m’inspirent et me nourrissent de leur énergie.

J’aime travailler avec mes mains, parfois sans outils… J’aime sentir le papier ou le morceau de bois ou de métal qui m’illumine et me sert de guide. Les matériaux me parlent et les différentes combinaisons créées offrent de nouvelles significations à qui les regarde. C’est ce que je préfère de ce travail. Je me laisse ensorceler par la mémoire de ces objets pour accomplir une œuvre.

Je travaille avec plusieurs médiums. Après avoir peint, j’aime bien me consacrer à l’assemblage pour un changement, un défi différent. Sinon, j’exploite avec émotion l’art digital et le travail sur papier ou à partir de photographies ou de vidéos. J’essaie de ne jamais devenir trop confortable avec un médium en particulier. Je suis mon intuition sans la questionner. Je crois en un processus… en mon processus de création.

Établir une signification

Je ne relis mon travail de peinture, d’assemblage ou d’art digital qu’après l’avoir entièrement complété. Je m’en éloigne temporairement et laisse quelques jours ou quelques mois s’écouler, puis je reviens les « lire ». La distanciation temporelle est primordiale. J’ai besoin de me détacher de mon travail, de faire en sorte qu’il ne m’appartienne plus pour un moment. C’est une expérience puissante puisque je sais que ce que je regarde me reflète.

La découverte de soi. C’est à cette étape de mon processus créatif que je décèle tout ce qui se passe sur mon canevas et à l’intérieur de moi. C’est parfois bien surprenant. Prenons par exemple les séries de la Vierge et l’Enfant, pour lesquelles j’ai travaillé sur chaque pièce, l’une après l’autre. J’utilisais des pages doubles issues d’un vieux livre traitant des grands maîtres de la peinture, que j’avais trouvé au Strand Bookstore, à New-York. Je n’ai réalisé qu’après coup qu’ils comportaient tous le dénominateur commun de la Vierge et l’Enfant. Mon mari m’a un jour demandé qui me représentait le mieux : la Vierge ou l’Enfant? C’était clair : je m’identifiais à l’Enfant. L’étrangeté de ce fait m’a secouée. C’est alors qu’a débuté ma quête de moi-même. J’ai passé un temps inestimable à réfléchir et à réaliser que je devais engendrer mon côté enfant. J’ai lu abondamment sur l’autoguérison, particulièrement Shakti Gawain. Je me suis rendu compte qu’il y avait là un lien extrêmement pertinent. Cela m’a menée à réaliser que les œuvres de la Vierge et l’Enfant étaient en fait des autoportraits qui racontaient mon histoire. Tout ce que j’exprimais à travers ces œuvres était destiné à être communiqué ainsi.

Écrire à propos de mon travail me permet de mieux le comprendre. Je veux en trouver l’essence. Je cherche des symboles universels qui me disent ce qui se passe à l’intérieur de moi. C’est ma manière de voir mon art et ma personne de façon plus perspicace.

Mon travail traite de l’inconscient collectif. J’essaye de mieux me comprendre et de mieux comprendre la condition humaine… Tout est connecté. Il me suffit de drainer l’inconscient collectif, « le réservoir des expériences de notre espèce. » Même si mon art m’est très personnel, je sais qu’il vise l’expérience humaine, et je parle ici de l’humanité en chacun de nous. Les concepts retrouvés dans mon travail font partie de cette humanité. Les objets et le matériel que j’utilise ont été consciemment choisis dans le cadre de mon processus de création, mais peuvent parfois prendre une signification inconsciente en cours de route.

Mon art comporte plusieurs couches, plusieurs dimensions, qui amènent le public (et moi-même) à un voyage contemplatif. Il n’est pas question de rapidité dans le coup d’œil; chaque œuvre est dense et riche et apprécier ces caractéristiques prend du temps. Je crée ma propre mosaïque de vie, j’observe et traduis mon code personnel afin que tous puissent le (me) lire.

Tout ne finit pas là puisque je suis en continuel dialogue avec mon public. Mon processus créatif est constant.

Mon besoin de communiquer

Partager ma vision intérieure. Je crois fermement qu’il est de ma responsabilité d’artiste d’exprimer ma voix et ma vision à un auditoire. Être artiste est un don et le partager crée des liens avec son public. Il existe nombre de façons de partager son travail. Par exemple, faire partie d’une communauté artistique, exposer ou avoir un lien web accessible à tous.

Je crois qu’en tant qu’artistes, nous devons devenir citoyens du monde à travers notre communion avec les autres artistes. Cela est rendu possible immédiatement après avoir terminé une œuvre grâce aux communautés Internet telles Flickr et Youtube. Il y a quelque chose d’extrêmement excitant et d’invitant pour un artiste à se partager avec un vaste public, intéressé à commenter, critiquer et faire part du processus créatif des autres… Un effort collaboratif. Une manière de s’ouvrir à soi et au monde entier, sans appréhension.

Les internautes ne prendront connaissance en ligne que de la version 2D de mon travail, mais le dialogue est réel car ils peuvent prendre le temps de lire mon histoire, mon processus, mon inspiration. Pour moi, c’est une valeur ajoutée à la dimension web.

Conclusion. La zone créative est le meilleur endroit pour s’inspirer… Il est important de réfléchir sur le travail d’autrui et l’évolution qui en résulte. Comprendre qu’un membre du public fait des liens en utilisant notre travail comme outil de référence pour ses propres œuvres, voilà comment communier à travers l’art. Voilà le don.

photos: Éric Dupuis